OLIMPÍADAS 2016 – um símbolo na medida carioca!

7 01 2011


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Gostei imensamente do símbolo das Olimpíadas Cariocas, desvendado no dia 31 de dezembro durante a Festa de Réveillon em Copacabana.  Produzido pela empresa carioca Tátil, com 20 anos de experiência no mercado e uma equipe de 105 funcionários, é o primeiro símbolo das Olimpíadas tri-dimensional.  Acredito que esta idéia, de tri – dimensionar, tenha sido um daqueles momentos de AHA! — um momento  EURECA! – no processo criativo, pois ele certamente se prestará à própria modernização visual das Olimpíadas.  Eu me explico: hoje temos uma abundância de televisões e filmes cujas imagens podem ser vistas em três dimensões, a tendência deve ser de se tornarem mais comuns. Mas o uso de imagens holográficas também está se acelerando.  Recentemente a Universidade de Tóquio demonstrou por um vídeo desenvolver o que se chama de holografia tátil.   E nas eleições para Presidente dos Estados Unidos a rede de televisão CNN inaugurou o uso de uma imagem de Jessica Yellin, conversando com o jornalista Wolff Blitzer em que a imagem dela foi projetada e parecia estar em três dimensões, mas vinda de outro local, distante dos estúdios televisivos, por aproximadamente 1.600 km. Esses experimentos estão pipocando no mundo todo e o símbolo das Olimpíadas cariocas facilmente se adaptará a esses meios não tão comuns hoje, mas que deverão ser corriqueiros em 2016.

O símbolo das Olimpíadas de 2016 faz uma referência visual às montanhas cariocas, como o vídeo de apresentação mostra [ veja abaixo].  A imagem de três pessoas dando-se as mãos num círculo foi um achado de grande felicidade.   Como sabemos, a dança em círculo, é uma das manifestações humanas mais antigas, quase sempre traduzindo felicidade e união, duas características associadas ao evento olímpico e a este momento especial por que passa a cidade do Rio de Janeiro.    A dança em círculo também foi durante a Idade Média e a Renascença considerada uma dança sagrada.  Já mencionamos isso aqui no blog quando mostramos o altar do Último Julgamento de Fra Angélico.

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Com área de especialização na Arte Européia Moderna (1868-1945 — da Guerra Austro-prussiana ao final da 2ª Guerra Munndial) e dedicação de dez anos de estudo à história da arte, com teses esmiuçando os movimentos artísticos na Europa no início do século XX, é natural que, volta e meia, eu venha a relacionar o que vejo com o que estudei.  Assim aconteceu na primeira vez que vi o símbolo da Olimpíadas do Rio de Janeiro.  Um dos grandes passatempos de historiadores da arte é imaginar que influências, diretas ou não, certos artistas receberam para chegar às soluções gráficas que escolheram.  Até o final do século XX, antes do aparecimento da internet, era mais fácil saber o que cada pintor ou escultor havia visto e determinar se um quadro ou uma escultura havia influenciado o resultado final de uma composição mais tardia.  Na verdade, as coisas começaram a mudar quando a impressão de fotografias de quadros famosos começou a aparecer em revistas de grande tiragem,  já no final do século XIX.  Mas até então, artistas estavam, em sua grande maioria, limitados à presença física diante de uma obra de arte ou de uma de suas cópias — daí as inúmeras cópias da arte clássica grega e romana, por exemplo, que preenchem grande parte dos museus de Belas Artes. 

Historiadores da arte, principalmente aqueles especializados nas Proto e Alta Renascença podem passar anos de suas vidas dedicando-se às influências sofridas por este ou aquele pintor.  Teria tido ele acesso a esse manuscrito que tem ilustrações semelhantes?  Ou teria fulano tido acesso a qual edição de um Livro de Emblemas?  Hoje, com a internet, estas suposições já não cabem.  Todo mundo tem acesso a tudo.  Mas, fato é que, esta maneira de pensar acaba ficando no sangue de quem estuda História da Arte; é um vício de enfoque, digamos assim.  E o símbolo das Olimpíadas de 2016 me remeteu de imediato, a um dos maiores artistas do século XX, o francês Henri Matisse.

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A  dança, 1909

Henri Matisse ( França, 1869-1954)

Óleo sobre tela, 2,60m x 3,90m

Museu de Arte Moderna [MOMA] de Nova York

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Há duas versões desse quadro: A Dança, de Matisse.  A de Nova York , de 1909, que é a primeira versão, uma espécie de estudo.  As figuras têm menos detalhes do que as que aparecem na versão definitiva, de 1910,  hoje no Museu Hermitage em São Petersburgo, na Rússia.  E as cores são bastante mais pálidas na primeira versão.  A Dança  tem um par, um pendant, que é  a  tela Música.  Ambas foram pintadas para o empresário e colecionador russo Sergei Shchukin.  E essas obras marcam uma virada, um ponto importante da carreira de Matisse: foram a primeira experiência de Matisse com um trabalho baseado em elementos arquitetônicos – os painéis tinham a incumbência de “vestirem” ,ou melhor,  serem colocados ao longo da grande escadaria do palacete de Shchukin, e também causaram grande comoção ao pintor, pois seu patrocinador teve sérias dúvidas se poderia ou não dependurar essas obras, com tantos nus, na residência onde morava com duas sobrinhas, donzelas,  sem ofender a moral vigente.

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A dança, 1910.

Henri Matisse (França, 1869-1954).

Óleo sobre tela, 2,60m  x 3, 9O m

Museu Hermitage, São Petersburgo, Rússia

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Cem anos separam o símbolo das Olimpíadas no Rio de Janeiro das telas de Henri Matisse, assim como aproximadamente cem anos separaram as telas de Matisse do que é considerado fonte de inspiração do artista francês:  A dança de Oberon, Titania,  e Puck com as Fadas, de circa 1786, de autoria do inglês William Blake ilustrando O sonho de uma noite de verão de William Shakespeare.

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A dança de Oberon, Titania e Puck com as fadas, c. 1786

William Blake (Inglaterra, 1757-1827)

Aquarela sobre papel grafite, 47,5cm x 67,5cm

Tate Gallery, Londres

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Ainda que a obra de Matisse A Dança tenha diversas versões escultóricas pelo mundo, inclusive uma versão no Jardim Botânico do Rio de Janeiro,  e que seus cinco elementos em círculo venham a lembrar os cinco círculos que compõem o logotipo das Olimpíadas, cada qual representando um dos continentes, acredito que seja a versão de William Blake a que mais se aproxime em composição do logo das Olimpíadas de 2016.  Isso porque na dança, propriamente dita, de Blake há três fadas, que se separadas do original, como o detalhe abaixo mostra, muito se assemelham no contorno de seus movimentos aos contornos da logomarca das Olimpíadas cariocas.

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William Blake, Dança das Fadas, DETALHE.

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Logo, Olimpiadas 2016.

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William Blake ou Henri Matisse podem ter sido ou não as fontes de inspiração para uma excelente marca.  Mas, vale a pena lembrar, que desde a Grécia antiga o círculo é considerado a forma mais simples e mais perfeita [Proclus Lycaeus , (500 aC)].   E que o círculo talvez seja o mais antigo símbolo de união.  O círculo tem sido através dos séculos o símbolo de um todo, indivisível: uma unidade.  Símbolo, também,  da bondade, do infinito e do sol, todos ingredientes existentes no Rio de Janeiro e essenciais para o bom desempenho das Olimpíadas.  Este círculo, formado pelas mãos unidas de três pessoas dançando, se veste de alegria e cristaliza o momento mágico, sagrado, de comunhão com algo que é maior que nós.  Esse círculo, que no Rio de Janeiro toma uma forma tri-dimensional, representa também a união de diferentes povos num momento especial de paz e de entrega.  E é tão carregado de associações culturais, as mais diversas, que repercute nas nossas almas, no nosso inconsciente coletivo, lembrando-nos dos valores das Olimpíadas, dos esportes, da cordialidade entre os povos que devem florescer no espírito desta festa.   Parabéns aos que o criaram e parabéns ao Rio de Janeiro por ser tão bem representado.

©Ladyce West, Rio de Janeiro: 2011

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VEJA COMO FOI O PROCESSO DE CRIAÇÂO DA LOGOMARCA:

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FELIZ ANO NOVO!

31 12 2010

Praia de Copacabana, Reveillon.  Foto:  Ladyce West

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Recebi uma bela mensagem de Ano Novo, que repasso sem conhecer sua autoria.  Mas, vale a pena!  Um abraço a todos os meus leitores!

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Dentro de alguns dias, como um trem, um Ano Novo vai chegar a essa estação.
Se você não puder ser o maquinista, que seja então o seu mais divertido passageiro.
Procure um lugar próximo à janela desfrute as paisagens com o prazer de quem realiza a primeira viagem.
Não se assuste com os abismos, nem com as curvas que não deixam ver os caminhos que estão por vir.
Procure curtir a viagem da vida, observando arbustos, riachos, tons mutantes de paisagem. Desdobre o mapa e planeje roteiros.
Preste atenção em cada ponto de parada, e fique atento ao apito da partida.
E quando decidir descer na estação onde a esperança lhe acenou, não hesite.
Desembarque nela junto com os seus sonhos… 
Viver é a única coisa que não dá para deixar para depois…
Desejo que a sua viagem pelos dias de 2011, seja de PRIMEIRA CLASSE!


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Uma sugestão para desenvolver a imaginação das crianças

28 12 2010
Gangorra, Ilustração de Jennie Harbour.

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Em setembro de 2010 o jornal The New York Times  publicou na sua página OP-Chart um artigo de David Rockwell, sobre um Parque Infantil para a Imaginação, criado na região de Lower Manhattan, em Nova York,  por sua própria firma de arquitetura e design, Rockwell Group.  Nesse pequeno artigo David Rockwell lembra que a solução que ele deu ao projeto de um pequeno parque de diversões que levasse as crianças a desenvolverem a imaginação não é necessariamente a  única possível.  Que certamente haveria muitas outras formas de se solucionar a questão de um parque de diversões  de baixo custo, de fácil manuseio e que levasse os guris a brincarem e explorarem possibilidades, enquanto estivessem por lá.  Esse Parque da Imaginação foi criado com o auxílio do Departamento de Parques de Nova York e da ONG Kaboom.  Requer um espaço mínimo de 9 m² ou seja um espaço de nada mais do que 3m x3m, como vemos nas especificações abaixo e nele há todo tipo de peça solta,  mais ou menos padrão, peças que se encaixam, que podem ser modificadas,  acopladas, separadas, moldadas, alinhadas, agrupadas, alargadas e assim por diante para preencher as necessidades imaginativas das crianças que interagem com essas peças.  è uma espécie de combinação de brinquedos “achados” com blocos de construção.  Um verdadeiro tesouro de formas, cores e pesos para uma composição lúdica.

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Ilustrações Jamie Akers/Rockwell Group.

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Na época em que li o artigo, gostei demais da idéia, mas outros interesses levaram a minha atenção em outra direção.   Agora, no fim de ano, limpando minhas pastas de referências, voltei a pensar nesse Parque da Imaginação, principalmente quando estamos em processo de recuperação de áreas residenciais no Rio de Janeiro, agora, que estamos no processo de reassumir a responsabilidade do terreno público, como no Complexo do Alemão, onde as poucas áreas de lazer existentes haviam sido dominadas pelo tráfico de drogas.  Projetos semelhantes a esse descrito no artigo do jornal e mais coerentes com a realidade local poderiam muito bem fazer parte do programa de recuperação do terreno das comunidades carentes, oferecendo a estas crianças, mais do que a obesidade da falta de exercícios que o confinamento em casa oferece, mais do que os campinhos de futebol – que não é a solução para todas as crianças.   Ofereceria sim uma alavanca para que cada criança pudesse explorar recôncavos ainda desconhecidos de suas imaginações.   Nos Estados Unidos, na cidade de Nova York, sem contar com o preço do terreno, esse Parque da Imaginação custa à cidade próximo de USD$ 10.000,00 – dez mil dólares.  O que no câmbio de hoje seria próximo a R$ 17.000,00 – dezessete mil reais.  Um custo benefício – sem não houver desvio ou corrupção – pra lá de MUITO BOM!    Fica aqui a sugestão.


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Árvore da Lagoa, pintura de Lucia de Lima

25 12 2010

Árvore da Lagoa, 2010

Lúcia de Lima ( Brasil, contemporânea)

acrílica sobre tela

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Aqui vai para vocês como presente de Natal esta delicosa imagem da Árvore  de Natal da Lagoa Rodrigo de Freitas, no Rio de Janeiro,  obra da pintora carioca Lúcia de Lima, que consegue presentear seus fãs e amigos, o ano inteiro,  com cenas da nossa cidade, cheias de charme, humor, felicidade e alegria, que tão bem retratam o espírito carioca.   Lucia consegue com suas telas  ilustrar uma  enorme variedade de vistas do Rio de Janeiro, sempre incluindo  um verdadeiro retrato das atividades a que o carioca se dedica nas suas horas de lazer.  Dá um grande prazer pararmos em frente de seus quadros — que em geral não são muito grandes — e descobrirmos aquele menino de bicicleta,  uma  pessoa de parapente no céu, alguém correndo na praia,  um grupo de capoeira…   Moradora do bairro do Jardim Botânico no Rio de Janeiro, um dos centros de artistas plásticos da cidade, Lucia se volta com frequencia para o arvoredo carioca dos sopés das montanhas, dos enclaves da Floresta da Tijuca — a maior floresta urbana do mundo — e registra as exuberantes flora e fauna cariocas com plena abundância tropical.  É um prazer poder oferecer aos meus leitores esta deliciosa tela para entretenimento no Dia de Natal.  

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Foto cedida por cortesia da artista.

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FELIZ NATAL !

 


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A volta do Chafariz da Praça Paris no Rio de Janeiro

10 10 2010
Praça Paris, Rio de Janeirro.  Foto:  Ladyce West

 

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Ontem de manhã resolvemos fazer um passeio pela Praça Paris aqui no Rio de Janeiro para ver seu belíssimo chafariz que foi re-inaugurado pela prefeitura da cidade, depois de sete anos sem funcionar.   Chegamos à praça e em vinte minutos o tempo passou de parcialmente encoberto para chuva forte de primavera.  O céu azul por entre nuvens claras foi se encobrindo rapidamente.  Mas mesmo assim valeu a pena o passeio.

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—Praça Paris, RJ, ao fundo a estátua do Marechal Deodoro da Fonseca.  Foto: Ladyce West.

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Completamente reformado nas suas entranhas: o espelho d’água de 1600 metros quadrados foi totalmente esvaziado e o fundo limpo.  Antigas rachaduras e infiltrações no revestimento interno do lago foram consertadas, assim como um novo quadro de comando foi instalado, paralelamente às novas bombas submersas.   Outras quatro bombas submersas foram restauradas.  Além disso, uma nova tubulação de jorro, que havia sido furtada, foi instalada.  O jorro central voltou a atingir os 15 metros de altura como no passado.

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Praça Paris, RJ, ao fundo à direita a igrejinha do Outeiro da Glória.  Foto: Ladyce West.

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O espelho d’água da Praça Paris,  que é uma das maiores praças públicas da cidade, é uma das atrações deste projeto da década de 20 do século passado, aqui no Rio de Janeiro.  Inaugurada em 1929, esta praça foi urbanizada sobre um aterro, com terra vinda do antigo Morro do Castelo no centro da cidade.   Terras do Morro do Castelo foram usadas desde 1921 para saneamento de diversos logradouros na cidade, pelo então prefeito Carlos Sampaio (1861-1930) — prefeito do Rio de Janeiro (Distrito Federal) de 1920  a 1922.  Com a remoção do Morro do Castelo abriu-se espaço para a Exposição Comemorativa do Centenário da Independência do Brasil.  E o aterro — uma nesga da Baía de Guanabara —  criou a área que mais tarde permitiu o projeto da Praça Paris.  Uma outra extensão ao longo das margens da Lagoa Rodrigo de Freitas levou à construção da atual avenida Epitácio Pessoa.  Suas terras também foram usadas para aterrar parte dos bairros da Urca e do Jardim Botânico.

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Praça Paris, RJ, linhas clássicas do jardim francês.  Foto: Ladyce West.

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A Praça Paris é considerada uma verdadeira jóia do urbanismo carioca.  Foi construída durante o governo do Presidente Washington Luís, quando era prefeito  do Rio de Janeiro (Distrito Federal) – 1926 a 1930 — o engenheiro Antônio Prado Júnior( 1880- 1955).  O plano seguiu as regras do urbanista francês  Donat-Alfred Agache (1875 – 1959),  diplomado pela École des Beaux-Arts de Paris em 1905.   Alfred Agache foi contratado em junho de 1927 mas só se estabeleceu na cidade no início de 1928, quando o aterro do Morro do Castelo na baía de Guanabara já estava praticamente completo.    

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Praça Paris, RJ rodeada de amendoeiras.  Foto:  Ladyce West.

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A praça tem muitos dos elementos do plano de Agache.  Os caminhos são de terra, areia e cascalho finíssimo à moda francesa; há um grande número de esculturas no jardim e arbustos são mantidos com cortes formais como nos melhores topiários dos clássicos jardins franceses.  O paisagismo também foi cuidadosamente elaborado, com uma carreira tripla ao redor de toda a praça de frondosas amendoeiras [Terminalia cattapa L.] que apesar de não serem originárias do Brasil – são originárias da Malásia– se adaptaram tão bem ao país nos últimos 400 a 500 anos que parecem nativas.  Essas árvores, cujas sementes devem ter aportado às nossas costas nos cascos de navios portugueses, têm a característica de perderem suas folhas no inverno, depois delas se tornarem vermelho-acobreadas no outono, como acontece com muitas árvores de florestas decíduas das regiões temperadas do planeta.  O resultado é uma forte associação ao outono francês, principalmente porque o mesmo ocorre com o Plátano Orientalis L. que é uma árvore comum no paisagismo europeu.  

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Praça Paris, RJ, os golfinhos do lago.  Foto: Ladyce West.

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Mantendo a afinidade com o urbanismo francês, quatro golfinhos fazem parte do complexo do chafariz central.  Eles são cópias de golfinhos de chafarizes em Versalhes, na França, construídos  sob a direção de André Le Nôtre ( França, 1613-1700).   O trabalho de revitalização da Praça Paris inclui também a manutenção da iluminação e a limpeza do terreno.  Vale a pena a visita.


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Minha terra, poema de Luiz Peixoto

17 09 2010

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Tropical, 1994

Carlos H. Sörensen ( Brasil 1928-2008)

Encáustica sobre tela

40 x 50 cm

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Minha terra

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Luiz Peixoto

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Minha terra

tem uma índia morena,

toda enfeitada de penas,

que anda caçando ao luar.

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Minha terra

tem também uma palmeira,

parece a rede maneira,

ao vento, a se balançar.

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Minha terra,

que tem do céu a beleza,

que tem do mar a tristeza,

tem outra coisa  também:

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Minha terra,

na sua simplicidade,

tem a palavra saudade,

que as outras terras não têm.

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Em: Poesia de Luiz Peixoto, Rio de Janeiro, Editora Brasil-América:1964, p.17

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Luiz Carlos Peixoto de Castro, ( Niterói, RJ 2/2/1889 – RJ, RJ 14/11/ 1973). Foi poeta, letrista, cenógrafo, teatrólogo, diretor de teatro, pintor, caricaturista e escultor.


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Um passeio pelos jardins do Palácio do Catete

30 03 2010
Jardim do Palácio do Catete,  Rio de Janeiro.  Foto: Ladyce West

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Neste verão que não acaba, em que fritamos todos os dias os nossos corpos a 38º C,  tenho procurado andar na areia da praia só no fim das tardes, e nos fins de semana visitar alguns dos belos jardins do Rio de Janeiro, a cata de  sombra, frescor, natureza e equilíbrio mental.   No sábado passado passei uma hora e pouco à sombra das árvores nos jardins do Palácio do Catete, antiga residência presidencial quando no século XX esta cidade ainda era a capital do Brasil.

Há uma característica desse jardim que sempre me intrigou e que dessa vez procurei saber o porquê.  Fato que salta aos olhos de quem quer que visite o local é a estranha distribuição de terra em relação à casa.  Os jardins são imensos.  Mas a casa fica não no centro dos jardins como seria de se esperar, mas no canto, dando de frente para a Rua do Catete.  Nem sei quantas vezes esse jardim é maior do que a área coberta por essa residência neo-clássica, construída entre 1858 e 1866, trabalho do arquiteto alemão Carl Friedrich Gustav Waehneldt, mas tem lago, tem gruta, tem esculturas e árvores gigantescas, e parece fora do comum que a casa ficasse assim num cantinho com as janelas paralelas à calçada.

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Coreto, nos jardins do Palácio do Catete.  Foto:  Ladyce West

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Finalmente descobri a razão:  a casa fora construída originalmente para residência na corte dos Barões de Nova Friburgo.  E a Baronesa havia exigido que este local fosse diferente de suas duas outras residências, a do Cantagalo e a de Nova Friburgo ambas as construções em centro de terreno.  A Baronesa de Nova Friburgo queria sentir o calor humano, a movimentação da corte, as carruagens passando, os vendedores cantando suas ofertas, seus pregões individualizados, quando chegasse à janela da residência citadina.  Daí o uso do cantinho esquerdo do terreno de esquina entre as ruas do Catete e a rua Silveira Martins [agradeço ao leitor Pedro Henrique pela correção do nome desta rua, que hoje, 29/9/2013 modifiquei no texto].  Os fundos da casa, dão para os jardins que se prolongam até  a Praia do Flamengo.  —

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Oceania, escultura em ferro fundido de Mathurin Moreau [França, 1822-1912], 1876.  Foto:  Ladyce West

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Espalhadas pelos deliciosos recantos do jardim há uma série de esculturas em ferro fundido, de Mathurin Moreau (1822-1912), afamado escultor francês do século XIX, representando os continentes.  [Só uma dessas esculturas tem identificação numa tabuletinha próxima.  É a escultura cuja foto coloquei acima].  Ela representa a Oceania: um menino, abraça um pequeno canguru.  Infelizmente, a identificação dessas esculturas, está — como quase tudo que é patrimônio cultural no Rio de Janeiro —  deixada ao léu. É uma vergonha que o patrimônio cultural que temos a nosso alcance não exerça nenhuma fascinação sobre aqueles encarregados de preservar o nosso legado cultural (seria muito, pergunto, se um empregado do museu fizesse as mesmas tabuletinhas para cada uma das esculturas do palácio?  E se roubassem, fizesse de novo?  O custo é próximo a ZERO).   Mesmo nos jardins do Palácio do Catete, um museu carioca, temos o descuido de não identificar as peças, como se elas de nada valessem.  É uma pena.  Não pude, por causa do grande contraste entre a luz do sol e a sombra, nesse sábado, fotografar razoavelmente bem nenhuma das outras esculturas.  Uma delas na verdade, está longe, na frente de uma ilhota do lago, e terei que levar uma outra lente para isso.  Mas prometo aos leitores desse blogue que voltarei ao Palácio do Catete para registrar esses tetéias.  Sim porque essas esculturas são de um tamanho pequeno, certamente feitas para uso em jardins particulares  de importância.   Não há tampouco qualquer cartão postal com a foto das mesmas que se possa comprar e levar para casa como uma lembrança da arte encontrada no museu.  Vergonhoso.  Temos que melhorar isso antes de nos candidatarmos a eventos como Olimpíadas e Copa do Mundo,  porque esses eventos trazem pessoas que além dos esportes gostariam de conhecer a base cultural da cidade.  Garanto, que não há muitas cidades no mundo que têm o patrimônio artístico nacional e estrangeiro, em lugares públicos ou privados, que nós temos.

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Os seis continentes, ferro fundido, Museu d’Orsay, Paris.

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Mathurin Moreau foi um grande escultor francês do século XIX.  E nada melhor, para aqueles que gostariam de se dedicar às artes no Brasil e à escultura, que visitar essas pequenas representações dos continentes.  Mathurin Moreau criou outra escultura representando a Oceania, mais conhecida,  para a série de trabalhos representando  os  continentes.  A série foi organizada em 1878, e  seis dos mais importantes escultores franceses do final do século XIX  foram convidados a fazer uma escultura que representasse um continente:   América do Sul , por Aimé Millet (1819-1891); Ásia por  Alexandre Falguière (1831-1900); Oceania por  Mathurin Moreau (1822-1912);  Europa  por Alexandre Schoenewerk (1820-1855); América do Norte por  Ernest-Eugene Hiolle (1834-1886) e  África por Eugène Delaplanche (1831-1891).  Esse grupo permaneceu  no mesmo  local, Palácio Trocadéro, desde 1878 até a Segunda Guerra Mundial, quando em 1935 foi  transportado para Nantes.  Lá esteve  por cinquenta anos, até 1985, ano em que ” os seis continentes” retornaram a Paris, encontrando um lar na esplanada do Museu d’ Orsay.  —

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Oceania, 1878, Mathurin Moreau (França, 1822-1912), ferro fundido, Museu d’Orsay, Paris

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Achei por bem postar, a título de curiosidade, uma foto da representação do mesmo continente, na versão de 1878, ou seja na versão de Mathurin Moreau para a Exposição Universal.  As que se encontram no Palácio do Catete são de 1876, ou seja, de 2 anos antes das  esculturas encontradas no Museu d’ Orsay.  Teriam sido elas um exercício do artista para o projeto mais monumental?  O que tanto a peça do Palácio do Catete quanto a encontrada no Museu d’Orsay têm em comum é o toque do exotismo, com a presença com canguru em ambas.  Detalhes exóticos seriam quase de obrigatoriedade nessas representações – afinal estamos falando dos últimos 25 anos do século XIX —  onde o exotismo foi explorado em todos os meios.  Mas as diferenças entre as duas mostram que suas funções foram determinantes na escolha da representação.  Enquanto a escultura feita para a Exposição Universal se mostra grandiosa, maior que a vida, as esculturas encontradas nos jardins do Catete, todas com meninos com animnais,  são mimosas e delicadas, no mesmo material (ferro fundido), mas definitivamente peças feitas para jardins menores, para o prazer do colecionador particular.

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 Patos, Palácio do Catete, Rio de Janeiro.  Foto:  Ladyce West

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Em outra ocasião dedicarei algumas palavras sobre o prédio, suas pinturas e decoração.   Sei que os jardins foram reformados sob a direção do engenheiro Paulo Villon,  em 1896,  quando a propriedade foi eletrificada para abrigar a Presidência da República, que até então usava o Palácio do Itamaraty.  Acredito que essas estátuas de Mathurin Moreau possam ter sido adquiridas na época para pontuar a reforma.    Há nesse jardim também um belíssimo chafariz, — que sábado passado não tinha água .  Esse chafariz, certamente entrou para o Palácio do Catete na reforma de 1896, pois era o chafariz do Largo do Valdetaro, que foi removido do local onde havia sido colocado em 1854 para este jardim em 1896.

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Jardim do Palácio do Catete, Rio de Janeiro.  Foto:  Ladyce West

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O charme do jardim desse palácio está certamente no romantismo de final de século tão bem retratado na combinação das palmeiras imperiais com árvores frutíferas;  nos lagos bucólicos com patinhos a nadar, e na construção da pequena e romântica gruta, além é claro, do delicado coreto.  É sem dúvida um dos lugares mais prazerosos do Rio de Janeiro.  E,  já que hoje circunda o Museu da República – porque com a mudança da capital para Brasília esse palácio passou a ser o Museu da República — nada mais natural que o tratemos bem e que muito mais atenção seja dada às informações do local.  Vamos esperar que a secretaria de turismo do estado abra os olhos e nos gratifique com um material digno sobre o que estamos vendo.    A falta de informações é um desrespeito com o visitante brasileiro, porque lhe rouba a educação de seu patrimônio cultural, lhe rouba o aprendizado de seu passado; é também um desrespeito com o visitante estrangeiro que procurou nos conhecer melhor, ver  quem somos e de onde viemos.   Dizem os psicólogos que o desleixo, que o desrespeito consigo próprio, é sinal de baixa auto-estima.  Não é isso o que merecemos no Brasil, e não é isso o que eu gostaria de passar para as gerações futuras.

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Árvores centenárias do Palácio do Catete.  Foto:  Ladyce West

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A cara do Rio, 115 visões do Rio de Janeiro em uma única exposição

25 03 2010

Vista de uma das salas da exposição  A CARA DO RIO  no Centro Cultural dos Correios.  Foto:  Ladyce West

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Uma divertida exposição das artes plásticas cariocas: A CARA DO RIO, 2010,  está instalada no Centro Cultural dos Correios, no centro da cidade.   Esta é a 6ª edição dessa exposição que comemora anualmente o aniversário do Rio de Janeiro, juntando trabalhos dos mais diversos artistas visuais, sob um único tema:  a cidade do Rio de Janeiro.    São 115 artistas selecionados na curadoria de Marcelo Frazão.  A exposição que abriu no dia 27 de fevereiro vai até o dia 11 de abril, e se você ainda não foi lá, faça planos, para se encantar, rir, sorrir e se emocionar com as pinturas, esculturas, fotografias expostas.

É difícil escolher dentre tantas obras algumas para ilustrar bem essa postagem.  Mas aqui ficam:

PELA IRREVERÊNCIA:

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Redentora, 2010  — DETALHE

Solange Palatnik ( Brasil, Rio de Janeiro, 1944)

Acrílica sobre tela

70 x 200 cm

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PELA POESIA:—

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Vôo da Paz, 2010

Ruth Kac  ( Brasil, Rio de Janeiro, 1945)

Resina

33 x 35 x 47 cm  e 30 x 19 x 33 cm

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PELA ALEGRIA:

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Praia de Copacabana, 2010

Lúcia de Lima ( Brasil, Rio de Janeiro, 1947)

Acrílica sobre tela

20 x 80 cm

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PELA VIBRANTE ENERGIA:

Rio 40 graus, [tetrádico], 2010

Paulo Maurício ( Brasil, Petrópolis,  1960)

Acrílica sobre tela

200 x 200 cm

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PELA ALUSÃO HISTÓRICA:

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Casario, 2010

Eleny Victoria Eksterman ( Brasil, Riio de Janeiro, 1957)

Giclée em Canvas Hahnemühle

120 x 100 cm

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Mas a verdade é que são muito os trabalhos que fascinam, encantam e se fixam nas nossas retinas deslumbradas…  Vale a pena checar esta exposição.   

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SERVIÇO:

Centro Cultural Correios
Rua Visconde de Itaboraí, 20 – Centro
Corredor Cultural
20010-976 – Rio de Janeiro – RJ
Telefone: 0XX 21 2253-1580
Fax: 0XX 21 2253-1545
E-mail: centroculturalrj@correios.com.br

Funcionamento:

O Centro Cultural Correios recebe visitantes de terça-feira a domingo, das 12 às 19h
Entrada franca.


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Porque é Carnaval… um texto de Ruy Castro

15 02 2010

Cabeça de palhaço, sem data

Belmiro de Almeida (Brasil, 1858-1935)

Crayon sobre papel, 16 x 15 cm

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De 1930 a 1960, em termos de boa música e mau comportamento o Rio teve um Carnaval como nenhum outro lugar ou época.  Sendo uma cidade razoavelmente católica, produziu, sob as barbas do Cristo Redentor, Carnavais mais pagãos que os do próprio paganismo egípcio ou das bacanais romanas — aqui, o boi Ápis viraria croquete de botequim e Baco não pegaria nem aspirante no Clube dos Cafajestes, uma confraria de rapazes bem-nascidos e educados que usavam a alegria para fins saudavelmente imorais, como bailes, festas, orgias, com uma ou outra briga para manter a forma.

Por cair quase sempre em fevereiro, coincidindo com o esplendor do verão e convidando à pouca roupa, o Rio deixou longe em euforia os Carnavais invernais que o inspiraram, como os de Nice e de Veneza (os quais continuaram a ser o que sempre foram: belos bailes a fantasia).  O Carnaval carioca também permitiu ver que, em comparação, o de Nova Orleans era uma festa aristocrática, exclusivista e racista, de brancos e negros brincando iguais, mas separados.  No Rio, o samba e a marchinha nivelaram tudo.  A partir deles passou a haver um só  Carnaval para os negros, brancos e mulatos.

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Carnaval, sem data.

J. Carlos (Brasil 1894-1950)

Nanquim e guache sobre papel, 18 x 27 cm

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Seus criadores e intérpretes eram gente de todas as raças e classes, trabalhando e se divertindo juntos.  Nos anos 30, o cantor Mário Reis, branco de família rica, cantava os sambas que Ismael Silva, negro e pobre, fazia em parceira com o branco de classe média Noel Rosa, acompanhado por uma orquestra de músicos brancos e negros.  Dos três maiores cantores da época, Francisco Alves era branco, filho de portugueses; Orlando Silva era mulato, de cabelo passado a ferro; e o Sílvio Caldas, moreno de cabelo em escadinha, era o quê?  Era o “Caboclinho querido”.   Mas que importância tinha isso?  Terminada uma apresentação no rádio ou no teatro, saíam todos juntos e se sentavam às mesas do Café Nice, na avenida Rio Branco, ou de um humilde pé-sujo no Estácio,  e o samba continuava.  Tais combinações eram rotina no Rio.

A rigor nem eram novidade.  As bandas militares cariocas em fins do século XIX eram mistas, e a mais importante delas, a do Corpo de Bombeiros, tinha um maestro negro, Anacleto de Medeiros.  “Pelo telefone”, em 1917, já fora assinado por um preto e um branco, lembra-se?  A primeira orquestra de sambas e de choros, Os Oito Batutas, de Pixinguinha, criada em 1922, era preta e branca em partes iguais, quatro para cada lado, e tocava para platéias mistas, em cinemas e teatros.  Alguns anos depois, quando surgiu o rádio, os músicos negros de qualquer instrumento sempre tiveram espaço nas emissoras do Rio (em outras cidades do Brasil só eram admitidos como cantores ou percussionistas).  E as gravadoras americanas sediadas aqui nunca cometeram a torpeza de obrigar suas filiais brasileiras a produzir race records  (discos mais baratos de artistas negros para compradores idem), como faziam nos Estados Unidos com os jazzistas.  O samba e o jazz podem ter nascido ao mesmo tempo, dos mesmo avós africanos e molhado fraldas simultâneas, mas, defintivamente, seguiram caminhos diferentes.  (Não é uma vergonha, por exemplo, que o jazz tenha levado vinte anos para ter sua primeira formação “integrada”?  A qual foi o trio do clarinetista Benny Goodman, em 1936, com o pianista negro Teddy Wilson, e, no começo, só para gravações em estúdio, longe das vistas de uma platéia branca.)

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Arlequins, 1939

Dimmitri Ismailovitch (Rússia, 1892 – Brasil, 1976)

Óleo sobre tela, 59 x 37 cm

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Alguém já comentou admirado que o brasileiro “é um negro de todas as cores”.  Se se estava referindo ao carioca, que se orgulha dessa mistura, era perfeito.  Aqui somos mesmo neguinhos assumidos, das mulatas de olhos verdes aos “brancos” como eu, com leite e café na família.  Sem esquecer as louras autênticas, de pele clara e olhos azuis e sobrenome europeu — elas podem ser tudo isso, mas a bunda não nega e o jeito para sambar, também não.  O Rio é uma exuberante variedade de cores de pele e olhos, texturas de cabelo e formatos de nariz e lábios — resultado de cinco séculos de gip-gip-nheco-nheco sobre redes, catres, chaises longues, camas com dossel, de pé contra uma bananeira, ou na praia mesmo, à milanesa.  Todos no Rio temos um pé na África e os que não têm, gostam de dizer que têm.  Mesmo porque não podem jurar que não tenham.  Sabe-se lá o que, em 1850, o nhonhô estava  fazendo com a vovó nos fundos do sobrado?

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Em:  Carnaval no fogo: crônica de uma cidade excitante demais, Ruy Castro, São Paulo, Cia das Letras: 2003, páginas: 86-89


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Recordações do Theatro Lyrico, no Rio de Janeiro, texto de Ivna Thaumaturgo

19 01 2010

 Antigo Theatro Lyrico no Rio de Janeiro.

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Feito no Império, o Theatro Lyrico tinha a graça e a beleza adequada à função.  Acústica perfeita, harmonia perfeita.  Nos intervalos das aulas eu ia explorar todos os seus recantos e o conheci do avesso, quando não tinha ninguém, e isso era fantástico.  Sabia como entrar no palco diretamente dos camarotes.  Conhecia todos os seus intricados caminhos.  Era um labirinto de madeira, uma jóia.  As cadeiras da platéia, estilo império, traziam a numeração em metal encravada numa placa de madrepérola e eram de jacarandá e palhinha.  Confortáveis e sóbrias, a princípio eram cadeiras cativas.  Gostava de ir ao palco depois de terminado o espetáculo.  Fiz isso muitas vezes quando os Cossacos do Don se apresentaram e porque eles tinham o magnetismo selvagem da alma russa, atraíam as mulheres que iam assediá-los – eu, entre elas, com uma diferença de idade que transformava qualquer aproximação em amizade carinhosa.  Conversava com eles por mímica e lhes pedia que me ensinassem passos da dança.  Levava-lhes minhas aquarelas nas quais eles apareciam fazendo malabarismos, passos de danças guerreiras, acrobacias que ficavam muito aquém das que faziam no palco.  Eram,  belos, leves, ligeiros, imponderáveis.  Eu havia lido Os cossacos de Tolstói  e eles eram o que Tolstói havia descrito: tinham a sensualidade à flor da pele – sofrimento e prazer viviam neles ancestralmente juntos, confundindo amor e ódio, êxtase e agonia.  Pedi a alguém que lhes perguntasse –  Como dançavam tão bem?  — Eles responderam:  — Dançamos com “raiva”.  Era uma raiva diferente, uma explosão de virilidade, garra, grito tribal, paroxismo do sexo.  Havia a “dança dos punhais”, em que ao som da música em coro iam lançando com a boca, uma a um, enormes punhais ou adagas que se fixavam no chão, em círculo, numa precisão assustadora. 

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Cossacos do Don

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O entusiasmo das moças que freqüentavam as vesperais despertou uma reação histérica nas autoridades e, de repente, foi proibida a presença de mulheres no palco.  Ignorei essa ordem, talvez por me considerar de certa forma, “dona da casa”.  Continuei lá,  no meio deles, interessados a me ensinar a letra dos “Barqueiros do Volga”, canção admirável. 

“Ei uh… niem…

Ei uh…niem…

E…ste…raaazik

Eestedara…”

De repente vi, à minha frente, o professor Guanabarino e sua noiva, d. Lalita.  O mestre estava irado.  Passou-me um pito e exigiu que eu saísse de lá.  Fiquei indignada, revoltada, envergonhada, mas tive de obedecer.  Os russos, surpresos e constrangidos,  gritaram para mim:  Dasvidania!, que quer dizer Adeus.

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Arturo Toscanini

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Seria admirável se alguém escrevesse a história do Theatro Lyrico, nomeando os grandes artistas que por lá passaram.  Companhias líricas, cantoras famosas, tenores, baixos, barítonos, pianistas, violinistas, grandes orquestras…  Toscanini virou maestro nesse teatro, quando os fados o obrigaram a substituir o maestro que adoeceu no dia da estréia de um espetáculo de gala.  Eleonora Duse, Sara Bernhardt, e sua célebre frase aos estudantes que a vaiaram: “ Vous m’avez jugé avant de m’avoir connue.”  [Vocês me julgaram antes de me conhecerem]  E o teatro veio abaixo com os aplausos dos que a vaiaram.  Mas, aos poucos, as grandes temporadas foram se deslocando para o Teatro Municipal.  O Lyrico, abandonado, passou a ser o lugar preferido para a exibição de diversos tipos de circos e imensas estruturas para trapezistas eram armadas sobre a platéia…  A desmoralização terminou com a demolição da “jóia de madeira” e o terreno vazio, sem o menor vestígio de gloriosas noites que se prolongavam até altas madrugadas, virou local de estacionamento de veículos.  Que país admirável!  O teatro estava “atravancando” um espaço incomensurável!

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Eleonora Duse

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O interior do Theatro Lyrico, Rio de Janeiro.

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Em:  A família de guizos: história e memórias, de Ivna Thaumaturgo, Rio de Janeiro, Civilização Brasileira: 1997; p.73-75.

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A companhia de canto e dança Cossacos do Don, ainda se apresenta hoje em dia nos maiores palcos do mundo.  Coloco aqui abaixo um vídeo de Cossacos do Don que achei no YouTube. 

 

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