Frascos e garrafas encontrados na França, em Nîmes, do primeiro século da nossa era.
Uma escavação para a construção de um bairro residencial em um subúrbio da cidade de Nîmes na França descobriu esses belíssimos exemplos de frascos e garrafas de vidro romano datando do século I, DC. Eles estavam no local das piras funerárias para cremação de corpos em um cemitério romano da antiga capital regional, Nemausus, que deu o nome a Nîmes atual. Com população estimada em 60.000 pessoas essa cidade antes de ser dominada pelos romanos no século I AC, era habitada pela tribo Gaulesa Volcar Arecomici, desde a Idade do Ferro.
Nîmes tem uma longa história romana e por isso é conhecida como a mais romana cidade fora da Itália ou a Roma Francesa. Os romanos dominaram a região desde o século I AC ao século V DC. Na época em que esses artefatos foram criados a vida na cidade girava em torno da praça principal e do templo chamado Maison Carrée.
Maison Carrée, Nîmes, antigo templo, construído entre 16 e 19 AC, durante o reino do imperados romano Augusto.
Elizabeth, Sarah and Edward, the Children of Edward Holden Cruttenden, 1763
Sir Joshua Reynolds (Inglaterra, 1723–1792)
óleo sobre tela, 179 × 168 cm
Museu de Arte de São Paulo
Hoje estava considerando a possibilidade de oferecer um curso sobre colecionadores de arte. Frequentemente eles são esquecidos e no entanto eles modelam e modelaram o futuro, com a aquisição, manutenção, tutela e preservação das obras de arte de sua escolha. O que nos chega do passado já teve a seleção feita pela destruição corrosiva do tempo e pela manutenção de um colecionador interessado. Então seu gosto e sua guarda é o que sabemos do passado. O colecionador dirige do tempo depois de sua morte o que veremos hoje ou no futuro. Por ele, hoje entendemos o que era valioso, merecendo atenção. Meus alunos conhecem bem essa ladainha a que os submeto em todos os cursos.
Um dos grandes colecionadores de arte do seu tempo, foi o pintor inglês Joshua Reynolds (1723–1792). Por isso mesmo estava passando os olhos sobre suas obras e me deparei com esse belo retrato de família, parte do acervo do MASP, onde vemos Elizabeth, Sarah and Edward Cruttenden e a aia deles, cujo nome desconheço.
A internet é como viver dentro de uma enciclopédia. Para pessoas curiosas é simultaneamente uma bênção e um castigo. Porque somos capazes de satisfazer a ânsia do conhecimento e ao mesmo tempo atrasar com a hora, um encontro, a entrega de um texto, pagando pela perda de tempo a que os caminhos do acaso nos levam. A minha pergunta era: Essa aia, essa dama de companhia das crianças, com que frequência vemos esse personagem pintado na arte posterior ao Renascimento?
DETALHE, Elizabeth, Sarah and Edward Cruttenden, 1763, Joshua Reynolds (1723–1792)
Há um viés é claro: uma doméstica não tem o mesmo lugar de importância naquela cena e por isso mesmo não é mencionada. Mas há um fato contraditório. A maioria dos pintores, no passado, cobrava pela complexidade de um quadro encomendado. Retratos em geral são obras encomendadas e a adição aqui de mais uma fisionomia, certamente elevou o preço cobrado por Reynolds. Não duvido que esta preceptora das crianças era importante para a família ou não estaria retratada, mesmo que seu nome não seja mencionado.
Outra curiosidade: por que seria que Reynolds tem mais de um retrato familiar em que uma dama de companhia das crianças aparece? Era moda? São raros os retratos de empregados de uma família. Queriam mostrar status? Para quem? Ou será que Reynolds sabia levar seus clientes na conversa? Tinha ele arte da sugestão? Estas são perguntas relevantes… Para respondê-las eu teria que me aprofundar em uma centena de publicações sobre Reynolds, teses de doutoramento, e francamente para meu propósito isso seria demais.
Geoge Clive e sua família com a doméstica indiana Clarissa, 1765
Sir Joshua Reynolds (Inglaterra, 1723–1792)
óleo sobre tela, 140 x 171 cm
Gemäldegalerie, Berlim
Até recentemente este quadro era conhecido como George Clive e sua família com uma doméstica indiana — mas recentemente a Gemäldegalerie de Berlim, mudou o nome para incluir o nome da aia, depois de pesquisa extensa para responder a questões como as que me interessaram.
DETALHE, Sir Joshua Reynolds; Clarissa, em Geoge Clive e família, 1765
Coronel com sua família e uma aia indiana, 1786
Johann Zoffany (Alemanha,1733–1810)
óleo sobre tela, 135 x 97 cm
Tate Gallery, Londres
Os pintores e retratistas (fotografias) ingleses ou que trabalhavam na Inglaterra mostram essas preceptoras como indianas. Não são africanas e em nenhum momento aparecem como escravas. A Companhia das Índias Orientais formada no século XVII (1600) por holandeses, ingleses e franceses, era uma companhia privada formada por um conglomerado de investidores particulares interessados em competir diretamente com Portugal no comércio de produtos orientais. No final do século XVI, Portugal já havia perdido bastante de seu monopólio nas rotas desse comércio. Portanto justamente na virada do século XVII essas empresas, consórcio podemos dizer, internacional, se voltou para a Índia como fonte de produtos para os quais havia um mercado crescente na Europa do Norte. A primeira coisa que fizeram foi estabelecer locais de produção, plantas, digamos assim, com trabalhadores locais. Data deste período os trabalhadores indianos entrarem também no dia a dia dos lares ingleses na Índia.
A maioria das famílias desses administradores tinha aias indianas que cuidavam das crianças da casa. O retrato desses trabalhadores (que podem ter sido parte do sistema de trabalhos forçados) aparece com maior frequência só no século XVIII, como vemos nos exemplos dos quadros de Reynolds e Zoffany.
No século XIX, em 1858, a Inglaterra chega a conclusão que não poderia mais deixar o comércio tão importante para a estabilidade inglesa nas mãos de companhias particulares e toma das mãos desses investidores suas companhias e declara a Índia parte do Império Britânico. Levou quase um século para a Índia conseguir sair do domínio britânico. Mas isso não faz parte desta postagem.
Foto de 1922, mostrando a aia indiana com a família para quem trabalhava em Derbyshire.
Quando olhamos para a Inglaterra de hoje, não deveríamos ver com espanto o governo repleto de pessoas de origem indiana nas prefeituras, pessoas eleitas pelo povo no parlamento inglês. A imigração indiana e paquistanesa para a Inglaterra tem séculos. A estimativa é de que em 1850 havia na Inglaterra 40.000 indianos. Nesta época estima-se que a população da Inglaterra fosse de 16.600.000 pessoas. Já no ano 2000, a Inglaterra tinha um pouco mais de 49.200.000 habitantes dos quais um pouco mais de 1.053.000 eram de origem indiana. Ou seja em 150 anos a população indiana da Inglaterra cresceu de 0,2% para 2, 1%. Não é tanto assim. Mas não deixa de me surpreender que tenha havido tão poucas representações de indianos nas pintura inglesa.
Mural de sala de jantar escavado em Pompeia. Foto: Parque Arqueológico de Pompeia.
Nova escavação revela um salão de banquetes com murais inspirados na Guerra de Troia. A casa encontra-se na quadra 10 do Regio IX no sítio arqueológico de Pompeia. Essas pinturas murais vieram a público no último dia 11 de abril.
Leda e o cisne. Mural de sala de jantar escavado em Pompeia. Foto: Parque Arqueológico de Pompeia.
Os murais são do Terceiro Estilo, cuja característica é o uso de fundos de uma só cor, pinturas populares durante o primeiro século AD. Tudo indica que o tema dominante nestes pinturas murais é o heroísmo, conclusão que justifica os pares de heróis e deuses representados.
A pintura mural nos salões de banquetes em geral era programada com temas que viessem a dar aos convidados assuntos de interesse para a troca de ideias conversas, e com isso já estabelecer a priori as preferências dos donos da casa. Acredita-se também que a luz trazida para as salas de banquete era inconsistente e com isso havia o efeito das imagens nas paredes parecerem ter movimento, principalmente depois de algumas taças de vinho campaniano, como mencionado em Virgílio.
Foto: Parque Arqueológico de Pompeia.
A Guerra de Troia é um daqueles eventos que levam ao debate por aqueles que estudam o passado, porque não há provas concretas de que o conflito aconteceu verdadeiramente. A Ilíada de Homero menciona que o conflito começou com Paris, o filho do Rei de Troia em uma decisão sobre a beleza entre as deusas Hera, Atena e Afrodite. Paris escolheu Afrodite como a mais bela. Como prêmio por sua decisão, a ele foi dado o amor de Helena, que já estava casada com o rei de Esparta. A guerra portanto começou quando o rei Menelau quis sua esposa de volta.
Alguns dos meus muitos, dezenas mesmo, de livros de viagem começados pelo interesse na Rota da Seda. Livros retratados: The Desert Road to Turkestan de Owen Lattimore, The Great Game de Peter Hopkirk, My Life as an Explorer de Sven Hedin, The Roads to Sata:a 2000 miles walk through Japan de Alan Booth e Looking for the Lost: Journeys through a Vanishing Japan, Alan Booth.
Ontem li um artigo da BBC History Magazinesobre o que era comercializado na Rota da Seda. A Rota da Seda foi uma das minhas grandes paixões (acho que ainda é), que gerou leituras extravagantes sobre os caminhos do comércio da Antiguidade em diante. Essa curiosidade sobre esse caminho conhecido muito antes de Cristo foi, provavelmente, o ponto de partida para que um de meus hobbies seja ler sobre o comércio desde a antiguidade, por distração. Para mim é romântico imaginar os quilômetros aos milhares, a que comerciantes atravessando desertos e terras inóspitas, se submetiam para que bens de um lado chegassem ao outro lado da terra até então conhecida.
Estabelecida pelos chineses, da Dinastia Han, a Rota da Seda funcionou muito bem até o século XV. Não tinha o nome de Rota da Seda, Esse é recente. Batismo feito pelo geógrafo alemão, grande viajante e cientista Ferdinand von Richthofen, em 1877.
Muito mais do que seda era comercializado neste longo caminho da Ásia ao Mar Mediterrâneo. Especiarias, metais preciosos, artesanatos, peles, armas e cavalos estavam entra os principais produtos comercializados neste caminho. Seres humanos também eram vendidos como escravos nessa rota. A seda acabou sendo a escolhida por von Richthofen por ser um produto conhecido e fabricado unicamente pelos chineses, ou seja o produto único do ponto de partida ou de chegada daqueles que viajavam por essas terras. Sim, a seda era importante para a Europa, era um item de luxo e vastamente comercializada. Não havia conhecimento de como se fazia seda no mundo ocidental.
Nem todos os itens eram transportados do início ao fim da rota. Havia itens de interesse mais local. Assim como nem todos os comerciantes iam de um extremo ao outro da Rota da Seda. Nada disso. Iam até certo ponto onde comercializavam seus bens com um certo lucro, voltando para o lugar de onde partiram. Ideias também foram aos poucos sendo trocadas de uma ponta do mundo a outra. Acredito que ainda não tenhamos, apesar de todos os estudos já feitos, ideia da dimensão, da importância desse comércio por muitas culturas e nações que até já não existem mais. Hábitos, costumes e até religiões se espalharam pelo mundo graças ao comércio contínuo por mais de quinze séculos entres culturas atravessadas pela Rota da Seda. Vale a pena você conhecer mais sobre esse caminho que levou bens e ideias de um mundo ao outro da Antiguidade à Renascença.
E você já leu sobre a Rota da Seda? Gosta de livros de viagem?
Essa taça com pé de vidro transparente soprado, que seria o novo cristal, feito na ilha de Murano no início do século XVI, tem decoração em esmalte policromado e ouro. Trata-se do brasão de um dos papas da família Medici, mas não podemos precisar se pertenceu a Leão X (papa de 1513-1521) ou Clemente VII (papa de 1523-1534).
Pela decoração, esse objeto se aproxima de um grupo que engloba umas vinte peças, principalmente de pratos, pratos em pedestal e jarros que se encontram em coleções públicas e particulares famosas (Louvre, Museu Britânico, Museu Metropolitan) Não eram destinados ao uso alimentar, mas provavelmente destinados à decoração de bufês em banquetes de prestígio. Este serviço, hoje espalhado pelo mundo, demonstra o aalto grau de respeito e reconhecimento desde aquela época, ao talento e às descobertas dos vidreiros venezianos.
Traduzido do portal do Museu de Artes Decorativas, por mim.
Mosaico de aproximadamente 900 m², o maior mosaico conhecido da Antiguidade está na Turquia.
Em 2019 o maior mosaico conhecido, da Antiguidade foi aberto ao público. Não o conheço. Mas lembrei-me dele porque hoje recebi notícias de amigos que visitam a Turquia. Não vão ver esse mosaico. Talvez o interesse em mosaicos da antiguidade não seja tão popular quanto imaginei. Claro que me lembrei desse belíssimo exemplar. Ele cobre aproximadamente 900 m² contínuos e estava localizado na cidade de Antióquia, capital do Império Selêucida, que compreendia vasta região dominada anteriormente por Alexandre o Grande.
Lembro, para os que não trabalham com história que Alexandre, o Grande, morreu sem deixar um sucessor para as terras por ele conquistadas. Assim, a grande extensão de seu domínio se subdividiu e os generais de seu exército dividiram o colossal domínio, em numerosos territórios, criando fronteiras, abocanhando terras férteis ou de influência geográfica estratégica. É impressionante como a humanidade é a mesma, apesar de milênios os separarem.
Antioquia, hoje conhecida como Antaquia na Turquia, era a capital do Império, fundada nos finais do século IV a.C. por Seleuco I Nicátor. Foi conquistada pelos romanos no ano 63 AC. Logo se tornou a terceira maior cidade do Império Romano depois de Roma e Alexandria. Estima-se que tenha tido próximo a meio milhão de habitantes. Para os romanos ela era a porta para o Oriente.
Este grande mosaico foi descoberto em 2010, durante a construção de um hotel. O desenho decorativo é geométrico em círculos decorados em rítmicos desenhos sem repetições. Foi provavelmente colocado no pavimento térreo de uma construção para uso público. Surpreendente foi a extensão desse pavimento assim como a complexidade dos desenhos abstratos que o compunham.
O mosaico deve ter sido construído em meados do século V, no período romano tardio. Sofreu ajustes no terreno e destruição em alguns lugares com os terremotos dos anos 526 e 528 DC. O hotel que estava sendo construído, trocou seus planos arquitetônicos para incluir o mosaico, como ponto turístico. Hoje o mosaico pode ser visto no Antakya Museum Hotel [Hotel Museu Antakya].
As fotografias de Lalla Essaydi andam falando comigo. São fotos cuidadas, abordando de maneira delicada, artística, dentro de tradições tanto da cultura ocidental como da região do Magreb, a condição feminina. Elas têm me perseguido como fantasmas poderosos de vidas passadas.
Comecei com a foto acima, porque ela para mim representa uma completa junção de referências. Primeiro veio a imagem da Grande Odalisca, de Ingres, que vemos abaixo. A tela, da coleção do Museu do Louvre, foi pintada em 1814, para a irmã mais nova de Napoleão Bonaparte, Caroline Bonaparte, Rainha Consorte de Nápoles.
A grande odalisca, 1814
Jean-Auguste-Dominique Ingres (França, 1780-1967)
óleo sobre tela, 91 x 162 cm
LOUVRE
Há aceno óbvio à obra de Ingres que representa justamente a influência francesa na região do Magreb, iniciada no final do século XVIII como parte da Grand Tour das classes mais abastadas da Europa e acentuadas depois das façanhas napoleônicas nas primeiras décadas do século XIX, assim como local para descobertas do exótico tão finamente cultivado pelas sociedades europeias da época.
Ainda que A grande odalisca de Ingres não seja uma obra abertamente sexual, a ideia de uma mulher em um harém, disponível, mesmo com o olhar frio e distante como nesta tela, atiçava a imaginação dos observadores do século XIX, aumentando a curiosidade sensual sobre as possibilidades aventurescas facultativas no Norte da África. A mulher nua, em uma alcova, rodeada por cortinas de seda bordadas, joias de ouro no braço, lenço bordado a ouro no turbã, cabelos adornados por cabuchon de pérolas e pedra preciosa, com o exótico abano de plumas de pavão e cabo de marfim, narguilé em laca vermelha, anunciando o uso do tabaco ou ópio, apoiado em caixa de joias e ainda o cinto com grande fivela coberta de pérolas e pedras preciosas, displicentemente largado por sobre lençóis de linho, tudo isso, esse luxo e a sugestão de encontros fáceis se insinuavam marcando os discretos prazeres de um harém, exploravam a aventura sensorial do observador, desabrochando numa sedutora expectativa de deleite.
Quando comparamos a obra de Lalla Essaydi com a de Ingres, lado a lado, temos finalmente a certeza inabalável da citação visual feita pela fotógrafa marroquina.
Basta olharmos para as posições das cabeças, os turbãs, deixando aparecer, com descuido, um pouco dos cabelos na testa e frontes; os braços, os de apoio à esquerda assim como os que delineiam languidamente as linhas do corpo da mulher no harém, são igualmente paralelos. Os pés nas mesmas posições traem as culturas que representam. Enquanto a obra de Ingres mostra uma mulher com pele lisa, branca sem manchas, como porcelana, até mesmo nos pés, a fotografia de Essaydi exibe os pés com solas cobertas por henna como é de uso típico das mulheres no Magreb, para proteção e bençãos. Ambas as obras também sugerem o aprisionamento inescapável deste lugar, dessa alcova, onde não há espaço para fuga; onde ambas mulheres. colocadas do lado oposto ao espectador, se acham na vitrine, digamos assim, de encontro a uma parede fechada, sem abertura, sem ar para respirar. Na obra de Ingres há um fundo escuro, com algumas nuances tonais. Será madeira, será azulejo, lajota, pedra? Não sabemos. No horizonte da mulher do harém de Essaydi temos um desenho na parede cega. Parecem tijolos, chapisco ou papelão corrugado. De qualquer maneira, ela assim como sua companheira francesa de mais de um século de idade, tampouco tem escapatória.
Enquanto a Grande Odalisca trabalha na imaginação sensual do espectador, a jovem no harém marroquino não apresenta qualquer traço de sedução, de prazer carnal. Muito pelo contrário, ela olha, quase com desconfiança, para quem a observa e seu corpo se mescla com os lençóis, coberto por palavras que poderia usar e com elas distinguir sua existência. Em escrita cursiva as mensagens, o próprio discurso feminino, ultrapassam os limites das cobertas. Elas tomam conta do corpo da mulher, espalhando-se como os males liberados por Pandora, sem esperança de contenção. Elas transformam as costas, os braços, o rosto da odalisca moderna na mesma substância da coberta, insinuando que este corpo é mais um dos objetos presentes no harém.
Mas as associações culturais não param por aí. O corpo da mulher na obra marroquina lembrou-me também do documentário que Ayaan Hirsi Ali e seu sócio o cineasta Theo Van Gogh produziram que levou ao assassinato de Theo e à perseguição de Ayaan Hirsi Ali, escritora do livro Infiel. Neste documentário (que pode ser visto no YouTube) os corpos filmados, também aparecem cobertos de dizeres, que refletem em tudo aquilo que as mulheres pensam e calam, por não terem permissão de se manifestar. São submetidas à vida que levam sem o direito a objetarem.
Fotos do documentário mencionado acima.
Portanto, é natural que a belíssima obra de Essaydi tenha me movido e a todos que tiveram oportunidade de observá-la. Não é só uma obra de grande finesse no tratamento da fotografia e uma de revolta quieta, de denúncia, como só uma mulher que cresceu, viveu ou recebeu essa cultura de herança poderia fazer. Vale a pena considerar a obra de Lalla Essaydi. Procure por ela na internet. Você ficará encantado com a beleza e a força de suas imagens.
NOTA:
Este texto é um trabalho em andamento…. parte de futura publicação — Notas da história da arte: observações aleatórias das salas de aula
Ladyce West é uma historiadora da arte. Em sua vida acadêmica, antes de abrir uma galeria de arte e antiquário, dedicou-se ao estudo do surrealismo belga. Seu livro: Humor, Wit and Irony in the Works of Belgian Surrealists, baseado em tese da Universidade de Maryland, está em processo de tradução para o português.
É considerada uma das mais belas obras representando a ourivesaria do período gótico. Este não é um retrato realista do imperador francês, mas uma representação idealizada do rei. O busto está encimado por uma coroa, doada à catedral por Ricardo da Cornualha, (Inglaterra) em 1262, “pela eternidade”. a coroa é enriquecida por um grande número de pedras preciosas.
Cabelos e barba levaram banho do ouro mas rosto, pescoço e colo foram mantidos na cor natural da prata em repoussé. A roupa mostra um grande faixa de ouro sobre a qual, em forma de colar, repleta de pedras preciosas, algumas delas datando da antiguidade.
O busto repousa em pedestal octogonal decorado com esmaltagem no padrão de flor-de-lis, símbolo da França. Duas partes dessa base se abrem, ao centro, para revelar o restos mortais de Carlos Magno.
Página de Frontispício de Milton, Um Poema, por William Blake, c. 1818
Pena que a maioria dos poetas ou escritores não conheçam a influência de seu legado. John Milton (1608-1674), poeta, intelectual inglês, estaria satisfeito em saber que suas ideias serviriam de fundamento para nossa vida diária, hoje, no século XXI. Milton é mais conhecido por seu poema em verso livre Paraíso Perdido. Mas foram suas ideias publicadas, no auge da Guerra Civil na Inglaterra, em Areopagítica, 1644, que fazem parte do nosso dia a dia. Areopagítica, um discurso a favor da liberdade de expressão, foi a pedra fundamental para a primeira emenda da Constituição dos Estados Unidos, escrita em 1787 e em uso desde 1789 que garante a liberdade de expressão, hoje considerada um direito essencial nos países livres de governos autoritários.
“Foi o melhor dos tempos, foi o pior dos tempos. Foi a idade da sabedoria, foi a idade da tolice. Foi a época da fé, foi a época da incredulidade. Foi a estação da luz, foi a estação das trevas. Foi a primavera da esperança, foi o inverno do desespero. Tínhamos tudo diante de nós, não havia nada antes de nós. Todos íamos direto para o céu, todos íamos direto para o outro lado.”
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