Vaso, c. 1904
Etienne Tourette (França, 1858-1924)
Vaso de metal, em cloisonné, esmaltado, e dourado com folha de ouro.
Etienne Tourette foi um extraordinário esmaltador francês do período Art Nouveau. Desenvolveu facilidade para a técnica plique-à-jour, e conseguiu inovar em diversas áreas trazendo para suas obras a qualidade de joias raras. Principalmlente quando utilizava pequenas peças de metal (paillons) para efeitos únicos.
[Christie’s]
A criança e seus brinquedos: Gabrielle e Jean, filho do artista, antes de 1910
Pierre-Auguste Renoir (França, 1841-1919)
óleo sobre tela
Trata-se de uma cena em que Gabrielle Renard babá dos filhos de Renoir, e que também serviu de modelo para Renoir, entretém Jean (filho do pintor, que mais tarde se tornou um conhecido diretor de cinema) com brinquedos em cima da mesa: três carneirinhos, um grande galo e uma boneca com roupas camponesas. A criança está claramente se divertindo com a brincadeira.
A tela estava fora do olhos do público desde pintada. Pois veio a leilão em Paris, em perfeitas condições, e foi vendida pela bagatela – considerando-se a obra de Renoir — de €1.45 milhão ($1.68 milhões de dólares) + a percentagem da casa de leilões, ficou em €1.8 milhão ($2 milhões de dólares), ou R$ 10.689.200,00, sinceramente melhor do que um condomínio em Miami, se quiserem saber minha opinião. Mas há gosto para tudo! Um colecionador internacional, que permanece anônimo, a comprou.
Mas quem disse que é uma barganha? Ah, essa é fácil de responder: A obra de Renoir mais cara, vendida em leilão, alcançou os $78.100.000 {setenta e oito milhões e cem mil dólares]. Essa marca foi atingida pela obra Au Moulin de la Galette (1876), em Nova York leiloada pela Sotheby’s em 1990. E mais recentemente a tela Berthe Morisot e sua filha Julie Manet (1894) vendeu por $24.500.000 [vinte quatro milhões e quinhentos mil dólares]. Essa venda aconteceu em 2022, na casa de leilões Christie’s de Nova York.
A cena foi pintada por Renoir, algumas vezes. Essa tela foi dada de presente à pintora Jeanne Baudot, única aluna de Renoir e uma amiga próxima, por volta de 1895. Jeanne era madrinha do menino Jean. A pintora guardou o quadro e seu filho adotivo Jean Griot o herdou e manteve o quadro em seu quarto até morrer, falecendo em 2011.
O museu de l’Orangerie possui um estudo desse quadro em sua coleção. Griot também possuía outra versão dessa cena que vendeu para a National Gallery em Washington DC em 1985.
Natureza morta com rosas, tulipas, um girassol, lírios, uma flor de lis, papoulas, madressilva e outras flores em vaso de vidro com dois pássaros, um gafanhoto e um caracol, c. 1674, obra de Jan Davidszoon de Heem (Holanda, 1606-1684).
Homem escrevendo, em um ateliê de artista, 1631-32, obra de Gerrit Dou (Holanda, 1613-1685).
Vista de Olinda com ruínas de Igreja Jesuíta, sem data, obra de Frans Post (Holanda, 1612-1680)
Natureza morta com couve-flor, cesto com ovos, alhos-porós, e peixe e outros utensílios de cozinha, década de 1760, obra de Luis Meléndez (Itália-Espanha, 1716-1780).
Morangos selvagens em Cumbuca Kraak Wan-Li , 1704, obra de Adriaen Coorte (Holanda, 1665-1707).
Par de retratos: Menino tocando violino e Menina cantando, década de 1620, obra de Frans Hals (Holanda,1580-1666).
Todas as obras, e são sessenta, da coleção particular do banqueiro Thomas Saunders e sua esposa. Uma coleção composta por muitos anos de dedicação, de estudo, persistência e conselhos de um conhecedor das artes, George Wachter.
Espera-se que a coleção traga por volta de cento e vinte milhões de dólares. O Frans Post pode ser de interesse para colecionadores brasileiros, particulares ou museus. A expectativa é que a venda fique entre seis a oito milhões de dólares.
Fotografias, cortesia da Sotheby’s.
Conchas foram sempre de grande fascinação para o ser humano. Elas eram facilmente encontradas em praias. Aqui mesmo no Rio de Janeiro, na minha infância e adolescência as praias da Zona Sul tinham muitas conchas dos mais diversos moluscos, que machucavam nossos pés se as pisássemos, mas que ao mesmo tempo nos fascinavam. Não era fora do comum trazermos para casa uma concha mais bonita, com um formato diferente ou aquela que tinha listrinhas coloridas de diversos tons de ocre, amarelo, bege e pérola, numa verdadeira comunhão com a natureza admirando aqueles desenhos perfeitos.
No século XIX, caixas como a mostrada acima, foram populares. Mas elas caem, para mim, naquela área do gosto estranho, duvidoso, da era vitoriana, que abusava dos excessos e acabava com objetos como essa caixa, que não sei porque me lembra mais de rito funerário do que de um lugar aprazível para colocar um joia ou preciosidade.
Em 2022, uma rara coleção de caixas de concha foi à venda na loja de leilões Christie’s em Londres. As caixas, não muitas, pertenciam à coleção particular de Anthony e Marietta Coleridge. Seria de se esperar, que suas caixas de concha fossem verdadeiras joias, já que Anthony Coleridge foi CEO e mais tarde presidente da casa de leilão Christie’s em South Kensington.
Essas são duas caixas de conchas, com montagem em ouro. A caixa à direita conhecida como Caixa de Turritella foi transformada por volta de 1765. Turritella é o nome latino para um caracol marinho, em forma de cone alongado com diversas rotações. Turritella em latim e em italiano significa pequena torre, Esta concha tem cerca de 10 cm de comprimento. Os adornos de acabamento e dobradiça de ouro mostram desenho rococó com volutas e flores e há uma faixa em esmalte branco com os dizeres ‘NUL PLAISIR SANS VOUS VOIR’ [não há prazer sem lhe ver, que bela mensagem de alguém enamorado!]. A concha cancerallia, que acompanha nesta foto a Turritella,tem a tampa forrada por dentro em ouro, cinzelado para simular a textura natural da concha e mede 9 cm no comprimento.
Outras quatro caixas, todas para rapé, da mesma coleção, variam em forma. Uma é do período de George III, claramente assinada pelo ourives William Scott, de Dundee, datando de 1780. Duas outras, uma tem acabamento em prata e outra espessurada à prata [também conhecido com banho de prata] datam respectivamente do final do século XVII e início do XIX. Medem: 9,2 cm; 9 cm e 10,2 cm;
A caixa russa com tampa parcialmente em concha e montagem espessurada à prata, mostra assinatura na montagem. Tem cobertura gravada com pássaros sobre flores; uma com cobertura espessurada a ouro com relevos e gravações de dois pássaros rodeados por volutas com dois passarinhos rodeados por flores.
Quando vemos esses exemplos extraordinários de pequenas caixas de conchas, deixamos de lado a ideia das não tão elegantes caixas com adornos de conchas populares na era vitoriana. Um dos meus professores de história da arte, na Universidade de Maryland, que era também um dos curadores da National Gallery em Washington DC repetia para nós alunos, sempre que podia. Olhe e observe sempre o melhor que há na arte, Vá aos museus. Examine coleções. Aos poucos de tanto ver, mas de tanto ver coisas boas e coisas não tão boas, seu olhar vai saber em fração de segundos se algo merece ou não sua atenção. Ele queria que apurássemos os olhos.
Muitos anos mais tarde, lendo o livro Blink, de Malcolm Gladwell percebi que esse professor estava certo. É a teoria das 10.000 horas de trabalho. De tanto ver, observar, examinar objetos da sua época de interesse, ou melhor da sua área de especialização, mais precisa é a avaliação sobre o que você vê.
Há algo romântico, que não consigo resistir, e portanto passo para vocês, em notícias como esta que me chegou, hoje, através de um email da Artnet. Este par de vasos, na fotografia acima, foi encontrado em uma residência na Inglaterra. O dono, um homem nos seus trinta e tantos anos, limpava a casa de sua mãe em Portsmouth.
Esses vasos não são imponentes; têm um pouco menos de 25 cm de altura. São, como vemos, arredondados (por isso chamados de “moon flasks” [frascos de lua]. São em porcelana e têm decoração em azul com representações de morcegos e pêssegos. Por que? Porque esse animal e essa fruta têm importante simbologia na cultura chinesa. Morcegos representam fortuna, virtude, saúde, felicidade e uma morte tranquila. Pêssegos, se referem à longevidade, associados ao deus da vida longa, Shoulin, na religião Taoista. Pêssegos também representam saúde e felicidade e são um símbolo popular da primavera.
Mas nada disso, explica o que acho romântico sobre esses vasos. O homem que os encontrou pensou que eram bonitos, mas nunca imaginou que fossem ser motivo de uma guerra de lances no leilão para onde ele havia mandado alguns pertences de sua mãe. Não pensou também que ele poderia fazer a reforma na casa, de que precisava, e no mesmo ano sair de férias, graças a esses vasos chineses porque suas economias não davam para tanto exagero.
Inicialmente o herdeiro dos vasos levou-os a um antiquário. Este, na dúvida, consultou o leiloeiro regional Nesbit que aceitou os vasos para venda como reproduções contemporâneas de vasos do século XVIII, mesmo apresentando marcas de Qianlong, 5º imperador manchu da dinastia Qing. Isso porque há no mercado tão boas cópias com as mesmas marcas,feitas pelos próprios chineses de obras que eles mesmos produziram em séculos passados que provar que algo é antigo às vezes se torna extremamente difícil. Os vasos foram a leilão com o lance inicial de £100 (cem libras) [R$640]. E como todo bom leiloeiro dos dias de hoje, o catálogo com as fotos foi para a web.
No momento que as fotos atingiram o mercado um interesse fora do comum sobre esses vasos fez-se sentir, antes do leilão. O leiloeiro chamou um especialista que verificou que os vasos seriam, de fato, do século XVIII. Quando o leilão aconteceu, em vinte minutos, um comprador chinês, levou os vasos pela quantia de £327.000 [2.093.856,21, hoje]. Um vendedor muito feliz, tenho certeza, poderá fazer a reforma na casa e ainda tirar as férias que planejava.
Estatueta de ouro esmaltada, com base em lápis lazuli, representando Marte, c. 1700
Estúdio do joalheiro, ourives e esmaltador Johann Melchior Dinglinger (1664-1731)
Altura: 12 cm; largura: 4, 3 cm
Dresden
Vendida pela Sotheby’s, Monaco, em 1976
A equipe do ourives Johann Melchior Dinglinger incluía o ourives Georg Christoph (1668-1746) e o esmaltador Georg Friedrich (1666-1720), seus irmãos. Juntos eles dominaram o mercado de joias e de objetos de luxo, joias, pequenas esculturas curiosidades ornamentais, em Dresden, durante o governo de George, O Forte (1670-1733). Eles haviam sido aprendizes em Ulm, ao sul da Alemanha e também passaram algum tempo em ateliês de Viena. Em 1692 eles se estabeleceram em Dresden, na época, capital da Saxônia.
Foram responsáveis por belíssimas obras para o príncipe da Saxônia e rei da Polônia. Produziram peças para os gabinetes de curiosidades, com adicionando pérolas, marfim, pedras e metais preciosos, porcelana e esmalte. Os três irmãos e seus seguidores fizeram de Desden o principal centro de ourivesaria da Europa.
Relógio de mesa finamente decorado com esmalte sobre prata, 1890
Artesão: Michaek Perchin
Numerado, 17,5 cm de largura
Marcado Fabergé, São Petersburgo
Moldura em semicírculo, esmaltado em verde limão a toda volta, com mostrador em esmalte branco, números arábicos e ponteiros em ouro. Decoração colmeia, com pérolas minúsculas aplicadas aos pontos de junção e rosas em prata em intervalos, acentuadas por esmalte em vermelho e verde.
Uma visita à Pinacoteca de Munique, 1917
Charles Friedrich Alfred Vetter (Alemanha 1858-1936)
óleo sobre tela
O jornal americano The New York Times publicou um artigo Seeing a Cash Cow in Museums Precious Art, sobre as dificuldades que museus no mundo inteiro estão tendo para manter suas coleções intactas sem que os governos de seus países, resolvam vender alguma peça do acervo para pagamento de dívidas.
É desesperador para nós que trabalhamos com cultura e com história cultural ver que o alto valor de obras de arte em coleções públicas pode servir de tentação para que se resolva problemas de gestão governamental, usando a liquidação do passado, a história daquela cultura, do local ou do país.
Como lembra o diretor do museu da Westfália, Hermann Arnold, vender uma peça ou a parte de uma coleção, que se encontra em um museu ou galeria pública, é semelhante a vender a história da sua família. Você faria isso? Você venderia aquele colar de ouro miudinho da sua bisavó com um santinho esmaltado, ou cruz, ou crucifixo ou ainda a estrela de Davi, que você se lembra ter visto no colo de sua avó, depois no de sua mãe e finalmente, o receberia e colocaria em volta de seu próprio pescoço? É claro que não. Faz parte de quem você é. Da ligação entre as gerações. Mostra o elo que você é entre o futuro e o passado. Marca a sua existência para você e para seus descendentes.
Casal no museu, 2013
Nicholas Chistiakov (Belarus/EUA, 1981)
óleo sobre tela, 90 x 120cm
Coleção Particular, Grã-Bretanha
Há que se pensar em soluções criativas para o problema. No ano passado o Museu de Arte de Detroit, no estado de Michigan nos EUA, esteve às vésperas de liquidar sua coleção para saldar as dívidas com os aposentados municipais de Detroit. O museu não tinha nada a ver com esses aposentados.
Aqueles que falam mal dos capitalistas, e dos empresários no mundo ocidental, poderiam aprender um pouquinho com a lição dada por esses mesmos elementos “da insensível burguesia”. Movidos pela responsabilidade de manter o acervo de um dos melhores pequenos museus nos Estados Unidos, Detroit Institute of Art, empresários da cidade se cotizaram e conseguiram pelo menos retardar a venda, enquanto se espera que o governo encontre outra maneira de subsidiar os recursos das aposentadorias do município. Foram 27 milhões de dólares, muito menos do que a venda do acervo do museu traria, mas trouxe esperança. [Wall Street Journal].
Prodígio
Cláudio Dantas (Brasil, 1959)
óleo sobre tela, 120 x 160 cm
Alguns museus na Inglaterra já se desfizeram de obras de seus acervos. E o governo português se encontra em impasses judiciais sobre a venda de 85 Mirós apreendidos na nacionalização de Banco Português dos Negócios. A coleção estimada em 36 milhões de euros, no ano passado, enche os olhos daqueles que querem resolver de maneira fácil o débito governamental de 110 bilhões de euros. Desfazendo-se de algumas propriedades o governo conseguiu 11 bilhões de euros e se vê salivando com o prospecto desses meros 36 milhões de euros.
O que não está entrando na conta é o valor do patrimônio cultural para as gerações de futuros portugueses. Tampouco leva-se em consideração os outros tantos 36 milhões de euros, renováveis perpetuamente, que esses Mirós poderiam trazer em turismo a um país que depende muito desta indústria e que está sempre – como qualquer país estaria — tentando trazer turistas de melhor qualidade, de maior poder aquisitivo. Uma vez incorporada na cultura, essa coleção assim como qualquer outra, teria valor inestimável, centenas, milhares de vezes mais produtivo do que a passageira solução de um problema fiscal que governos têm a obrigação de saber resolver. Isso é válido para Portugal, Inglaterra, França, Alemanha, EUA, Brasil e qualquer outro país que esteja enamorado dessa solução fácil demais para ser realmente verdadeira.
Se o pior acontecer, perdemos para sempre a possibilidade de compreendermos o nosso próprio percurso no planeta. Porque uma vez vendidos, esses patrimônios culturais entrarão nas coleções particulares dos novos-ricos chineses, sauditas, se não forem parar em total obscurantismo nos portos francos de Singapura ou Genebra.
Há de haver uma solução que sirva melhor ao todo — a todos os cidadãos.
Caixa de escrita, em laca vermelha, Dinastia Ming, século XV
Caixa retangular lembrando um qin, com a tampa esculpida, com incisões atravessando diversas camadas de laca vermelha até o fundo ocre, mostrando dois pássaros com longas caudas que voam por entre flores de peônias de encontro folhagem profusa com botões de flores, e plumas dos pássaros delicadamente incisos com estrias. Os lados esculpidos com folhagem ruyi que parecem semelhantes aos lados da caixa. A caixa esconde pedra de tinta na forma de um qin, almofada de tinta com inscrição de um poema imperial e dois pincéis em seus receptáculos de bambu. O interior da caixa em laca negra. 33 cm. Coleção particular japonesa, à venda na Casa de leilão Southeby’s em outubro de 2012.
Caras de Palhaços, 1999
Jasper Joffe ( EUA/Inglaterra, 1975)
óleo sobre tela, 30 x 30 cm
Nesta semana, serão leiloados todos os pertences do conhecido artista plástico inglês Jasper Joffe. Ele nasceu nos EUA, mas foi com 8 anos para a Inglaterra, de onde nunca saiu, teve sua formação artística e sua carreira profissional na Ilha. Sua arte, assim como sua visão do mundo, tem uma forte identidade britânica. Uma identidade talvez mais ainda acentuada, quando considerarmos que um dos fortes traços da cultura inglesa é a aceitação e cultivo de excentricidades entre seus habitantes. Eles são os primeiros a reconhecer que têm uma tendência a pensar e agir “outside the box” ou melhor, fora dos padrões da normalidade. Essa liberalidade para com o comportamento próprio e para com o do vizinho sempre permitiu que personalidades extravagantes fizessem parte da textura social. Esta característica é tão marcante que em 2003 fez parte de uma campanha para incentivo do turismo interno da ilha. Campanha que apregoava entre outros eventos: encantadores de minhocas, corridas de caracóis, brigas de dedões do pé, competição de rolar queijos morro abaixo, festival do alho e trekking com lhamas.
Seguindo os passos de seus conterrâneos, Jasper Joffe tem explorado o caminho da excentricidade. Já famoso, tornou seu nome mais corriqueiro ainda quando organizou a Free Art Fair, chamada de “Feira para as vacas magras” [The art fair for the credit crunch] uma paródia da Frieze Art Fair, onde trabalhos de arte renderam alguns milhões de libras, a Free Art Fair reuniu 50 artistas – conhecidos e não tão conhecidos — que apresentaram seus trabalhos para venda por frações mínimas de seus preços no mercado.
O artista plástico Jasper Joffe.
Agora, Jasper Joffe está colocando sua vida inteira num leilão. Isso mesmo, todos as suas possessões. Para dar uma idéia aqui está uma amostra:
• 100 quadros incluindo retrato de Himmler do The Beauty Show, uma versão do mesmo quadro comprado por Charles Saatchi.
• Centenas de pincéis que foram lavados freqüentemente e com carinho
• Camisas da marca Lacoste em dezenas de cores
• 10 ternos, incluindo um Richard James de linho branco usado por Joffe em sua formatura no Royal College
• Um casacão de couro negro, longo, Armani, comprado em Roma quando o artista vendeu um quadro a um dentista
• Um par de sapatos feitos a mão por Ducker and Son comprado pelo artista no seu primeiro ano na universidade de Oxford.
• Uma gravura de Tracey Emin que Joffe comprou depois de passar a noite em claro numa fila na liquidação Absolut, na escola de arte do Royal College.
• Mais de 800 livros, incluindo a coleção do artista de primeiras edições de escritores contemporâneos, livros de arte e outras edições raras.
• Um Mixer da Kitchenaid em aço inoxidável.
Queen II
Jasper Joffe ( UK 1975)
óleo sobre tela
Com o nome de The Sale of a Lifetime (A Liquidação de uma Vida), a venda abre nesta terça-feira na Generation Gallery, ao leste de Londres. O fator precipitador deste rompante foi uma desilusão amorosa: Joffe, de 33 anos, foi abandonado pela namorada no último Natal. A idade, aqui, é um fator importante. Pois o artista aproveitou a simbologia da idade com que Cristo morreu para “colocar tudo o que possuo em uma exposição e à venda, posso perceber exatamente onde estou já que terei 34 anos de idade na semana que vem“, disse Joffe. A venda inclui só 33 lotes, custando 3.333 libras cada (cerca de R$ 10.300). “Estou vendendo minha vida toda por 109 mil libras (cerca de R$ 336 mil). Para os pertences de toda uma vida não é muito“, diz ele.
Jasper Joffe não é o primeiro a dar uma guinada em sua própria vida e tentar recomeçar do zero. Nem é ele o primeiro artista a vender todos os seus pertences com o fim de mudar radicalmente. Mas graças à sua personalidade esfuziante, e à tendência de conseguir transformar projetos em grandes eventos, neste momento, com a venda de seus objetos pessoais, com a mudança radical e a certeza de uma trajetória de vida interrompida para ser recomeçada logo adiante, fazem do artista alguém que parece exprimir melhor que qualquer outro artista plástico da hora, o espírito de seu tempo. Tudo é um evento. Tudo é para ser testemunhado em público. A vida, o dia a dia, o momento corriqueiro como parte do reality-show do dia, da cena.
Jasper Joffe
Não é importante se gostamos ou não dos trabalhos de Joffe. Se teríamos ou não uma de suas telas em nossas paredes. Não acredito que se eu pudesse, eu comprasse qualquer um de seus quadros. Acho a maioria do que já vi de uma brutalidade muito grande, com uma temática que prefiro passar ao largo, freqüentemente unindo sexo e violência. No entanto, há uma parte de mim, talvez o meu lado mais rebelde, ou até mais teatral, que aprecia este comportamento, essa irreverência para com o que outros e até mesmo seus colecionadores dão valor. É justamente este espírito de rebeldia, de ir um ou dois passos além da norma, que o mostra colorindo do lado de fora do desenho, que o faz um verdadeiro excêntrico, e que o distingue dos demais. Talvez eu gostasse de ter esta coragem, de estar um pouco menos enquadrada no mundo comme il fault – no que é esperado — e por isso aprecie tanto suas atitudes. Tenho certeza que depois de todo o circo, depois de toda a venda, Jasper Joffe, saberá se renovar, se encontrar de novo. Acho que eu e algumas outras pessoas que conheço poderíamos usar de vez em quando desta re-colocação, de um virar proposital de ponta-cabeça de tudo que nos cerca e nos faz quem imaginamos ser. Stunt de publicidade ou não, deve ser gostoso
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